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Hartmut Landauer Eröffnungsrede Tja, wie soll man sich nach sechs Jahren und insgesamt 30 Ausstellungen aus einer Tätigkeit verabschieden, die einem viel Freude, viel Stress, viele lachende und auch ein paar heulende Augen beschert hat? Mit einer Reihe von Anekdoten? Mit Pläuschen aus dem Nähkästchen? Mit der Schilderung der Erfahrung, wie es ist, bei der Anfertigung einer Eröffnungsrede auf dem Boden des Ausstellungsraums einzuschlafen und am nächsten Morgen von der verdutzten Putzfrau geweckt zu werden? Oder mit Einblicken in die verschiedenen Gattungen des Künstlers? – einer Spezies, die dazu neigt, Ausstellungen auf den allerletzten Drücker fertig zu stellen, um den Adrenalinhaushalt aller Beteiligten auf Vordermann zu bringen. Mit einer Schilderung der High- und Lowlights? Ich habe mich für ein Gedicht entschieden. Einige von Ihnen / von euch wissen, dass ich inzwischen bei der Galerie Schlichtenmaier arbeite. Dort habe ich ein „Pösie“ betiteltes Büchlein mit Gedichten von Ludwig Fricker vor der Auferstehung als Recycling-Papier gerettet. Eines der Gedichte heißt „Der Kunstkurator“, das ich gerne vorlesen möchte – auch als Überleitung zu Timo Brunke, der anschließend, nach meiner Rede, mit weitaus adäquateren Worten den Reigen der Poesie-Performance fortführen wird. Der Kunstkurator Todtraurig wirkt sie oft und schwer Es wird geschaltet deshalb vor, Er kleidet Kunst in feine Worte Vom Kurator ein gemachter Er lernt, daß seine eignen Augen Diktatur als Kunstgenuß Entgegen der Aussage dieses Gedichts empfinde ich mich nicht als Kunstdiktator, sondern als Kunstvermittler, mit Betonung auf „-vermittler“. Mir war und ist es wichtig, dass ich die Ausstellungsbesucher nicht mit irgendwelchen „feinen Worten“, kunsthistorischen Hintergrundswissen, hochtrabenden Zitaten, Fremdworten oder Vergleichen mit anderen Künstlern einschüchtere, sondern sie motiviere, auf die Kunst mit offenen Augen, mit offenen Ohren, mit offenem Hirn zuzugehen. Wenn ich einen Text schreibe oder eine Eröffnungsrede halte, möchte ich dem Leser oder Zuhörer allenfalls mögliche Herangehens-Ansätze präsentieren und ihm keinesfalls eine fertige Interpretation liefern. Demzufolge mag ich Kunst, die sich nicht eindeutig auflösen lässt, sondern zwischen verschiedenen Bedeutungsebenen hin und herpendelt. „Todtraurig, schwer und von allem Blute leer“, haben Sie die Kunst, die Sie hier gesehen haben, hoffentlich nie empfunden. Als letzte, 30. von mir initiierte und kuratierte Ausstellung habe ich mir selbst und Ihnen ein Sahnebonbon geschenkt, eine Ausstellung mit Arbeiten von Hartmut Landauer, einem äußerst kreativen, sensiblen und mindestens doppeltbegabten Künstler, den ich vor sechs Jahren im Rahmen der Ausstellung „Bereits bereist" in der Böblinger Galerie contact kennenlernen durfte. Hartmut Landauer ist 1966 in Gemmrigheim am Neckar geboren, hat seine Kindheit aber in Quito (Ecuador) verbracht, wo seine Eltern als Lehrer ihr Geld verdienten. Insofern verwundert es nicht, dass seine ersten künstlerischen Arbeiten den in Ecuador gesehenen poetischen Surrealismus aufgreifen und an Ethno-Malereien erinnern. Bis Anfang der 90er Jahre bestimmen figürliche Darstellungen sein Werk. Und dann plötzlich die Wende. Die Menschen scheinen aus den Werken verschwunden zu sein. Der Betrachter steht vor grauen, braunen, erdfarbenen geometrischen Flächen. Wer genauer hinsieht, merkt aber sehr schnell, dass das Gegenständliche nach wie vor äußerst präsent ist. Landauers Bildschöpfungen sind abstrakt und erzählen dennoch eine Geschichte. Die Bilder wimmeln nur so von Spuren menschlicher Präsenz, erinnern an Luftaufnahmen von Gebäuden und Landschaften, an mit Furchen, Trampelpfaden und Wegen durchzogene Felder. Landauers Malereien bilden jedoch keine konkreten, gesehenen, genau benennbaren Landschaften ab, sie sind aber auch nicht wirklich abstrakt. Es sind quasi innere, gefühlte, gedachte Landschaften, eben – wie der Ausstellungstitel sagt – "memory-scapes", Gedächtnisgemarkungen. Jedes Bild vereint verschiedene Geschichten in sich – eine, die nur der Künstler kennt, aber auch eine, die sich an der Dramaturgie des Bildes, seiner Schöpfungsgeschichte, seinem prozesshaften Aufbau der Schichtungen und Aufbrechungen unmittelbar ablesen lässt. Hartmut Landauer hat quasi geschichtete Geschichten kreiert. Er selbst weiß sehr genau, in welcher Stimmung er welches Bild gemalt hat, kann sich an die Musik erinnern, die er während des Malens gehört hat und weiß sogar, ob er das jeweilige Bild bei Tages- oder Kunstlicht gemalt hat. Es liegt nahe, die Bilder als bildliche Psychogramme ihres Schöpfers zu deuten, als visuelle Mindmaps, welche die labyrinthartige Verworrenheit der Gedankenwege verdeutlichen. Doch die Arbeiten sind mehr als das! Die Bilder sind vor allem spannende, ästhetische, poetische Augenkitzel. Das eigentliche Thema ist die Malerei selbst, ihre Materialität und die Formen, die aus den Schichtungen der Farbflächen entstehen. Mit zum Bild gehören auch die Schatten der in die Oberfläche eingegrabenen Furchen, die das Bild zusätzlich strukturieren. Landauers Großformate bestehen aus bis zu einem Dutzend übereinander gelegter Schichten aus Acrylfarbe, in die fein gesiebter Quarzsand gemischt ist. Die Resultate changieren zwischen Gemälde, Collage und Relief, bleiben aber – und das ist dem Künstler äußerst wichtig – immer "Flachware", Bilder an der Wand, die in ihren Proportionen den Betrachter nicht einschüchtern, sondern zu einem Dialog auffordern. Die Bildwerdung beschreibt Hartmut Landauer als
„bedachten Chaotismus“. Zum Entstehungsprozess sagt
er: "Das Bild baut sich ohne Plan oder Konzept beinahe
selbst - wie informelle Malerei, wie Natur: Intuition, Geste, Zeit
und Zufall arbeiten am Werk mit, das sich auch wie eine Spurensuche
lesen lassen kann". Gerade diese Spurensuche macht die
Betrachtung von Landauers Bildern zum Abenteuer. Dabei lassen sich
Spuren des französischen Kubismus’ und der amerikanischen
Farbfeldmalerei entdecken, aber auch Spuren der eigenen Biografie,
Spuren von selbst Gesehenem und selbst Erlebten.
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